Метрополитен-музей представляет выставку американской моды, но не определяет ее

Вместо того чтобы определять американскую моду, Институт костюма Метрополитен-музея надеется своей новой выставкой вызвать далеко идущие дебаты. В книге “Часть первая: В Америке: словарь моды”, посвященной современным дизайнерам и старожилам, не говоря уже об ушедших, рассказывается о 100 ансамблях, большинство из которых были созданы за последние пять лет. Верное молодежной культуре, которая управляет модой, технологиями и многими другими аспектами жизни общества, шоу возвеличивает настоящее.

Таким образом, выставка затрагивает вопросы социальной справедливости, бесполой одежды и принятия собственного тела, среди прочего. Поскольку в этом году Институту костюма исполняется 75 лет, выставка соответствует его наследию. Во время показа в воскресенье днем Эндрю Болтон, куратор Института костюма имени Венди Ю, сказал, что одной из основных задач Института с момента его основания в 1946 году была поддержка американского модного сообщества, и “они поддерживали нас на протяжении всего гала-концерта, начиная с момента его открытия в 1948 году. В разговоре с дизайнерами выяснилось, что язык, который они использовали для описания своей работы, был гораздо более эмоциональным, основанным на ценностях и чувствах.

Меня поразила мысль о том, как обычно описывают американскую моду, которая обычно основывается на принципах спортивной одежды, таких как функциональность, практичность, легкость, комфорт и равноправие. Вот откуда взялась идея создать этот новый словарь, словарь американской моды, который стал бы более выразительным и эмоциональным”.

Среди них такие известные дизайнеры, как Прабал Гурунг, Керби Жан-Раймонд из Pyer Moss, Вирджил Абло из Off-White, Телфар Клеменс, Херон Престон, Вакера и Рианна из Savage x Fenty, а также менее известные, такие как Puppets and марионетки, Stan, Dauphinette, KidSuper., Мими Пробер и никакого Сеанса.

Стили Мейнбочера, Клэр Маккарделл, Бонни, Кэшина, Руди Гернрайха и Нормана Норелла входят в число дизайнеров, которые работали в сфере моды десятилетия назад, в то время как известные дизайнеры, включая Тома Форда, Тори Берч, Тома Брауна, Веру Вонг, Стивена Берроуза, Андре Уокера, покойного Патрика Келли и Марка Джейкобса, также вошли в моду. перемешайте. Некоторые из них, такие как Зак Позен и Мигель Адровер, уже представили свои стили, но больше не разрабатывают коллекции.

Болтон рассказал о своем далеко идущем подходе. “Это событие стало для меня настоящим вдохновением, я просто познакомилась с работами молодых дизайнеров и услышала об их амбициях и стремлениях. Это так отличается от предыдущих поколений, которые, возможно, стремились работать во французском доме моды или мыслить более по-деловому.

Похоже, что их устремления в большей степени ориентированы на сообщество”, — сказал Болтон. “..они берут на себя большую часть контроля над своим бизнесом. Модели, которые они создают, работают на них. Они создают тесное сообщество последователей, поклонников и почитательниц”.

Чтобы систематизировать лексику выставки, Болтон и его команда сосредоточились на заявлении преподобного Джесси Джексона, сделанном на Национальном съезде Демократической партии в 1984 году: “Америка не похожа на одеяло, на цельный кусок ткани того же цвета, той же текстуры, того же размера. ..Америка больше похожа на лоскутное одеяло: много лоскутов, много деталей, много цветов, много размеров, все соткано и скреплено общей нитью. ”Посетители смогут ознакомиться с цитатой, поскольку это метафора американской моды со всеми ее отличительными чертами, — сказал Болтон. Не желая давать определение американской моде с помощью одного описания, Болтон сказал, что это означало бы, что она однородна, чего нет и никогда не было.

Даже в 1940-х годах, когда Дороти Шейвер вместе с Маккарделлом и Кэшином создавала американский стиль, основанный на понятиях универсальности и практичности, такие люди, как Джесси Франклин Тернер и Элизабет Хоуз, выходили за рамки этого канона и создавали исторические вещи, отсылающие к Древней Греции или эпохе Возрождения. В этой выставке всегда была какая-то неоднородность и разнообразие, которые я хотел подчеркнуть, а не сводить к спортивной одежде от американского дизайнера”, — сказал куратор.

Выставка, состоящая из двух частей, продлится целый год, и первая часть будет открыта для публики в субботу. Выставка “Часть вторая: В Америке: антология моды” откроется 5 мая в исторических залах Американского крыла музея. На ней будет представлена мужская и женская одежда с 18 века по настоящее время. Это будет первая “живая выставка” для института, который планирует каждые несколько месяцев вывозить некоторые старые экспонаты в целях сохранения и заменять их другими американскими образцами.

Понимая, что американская мода во всем мире часто ассоциируется с именами Ральфа Лорена, Донны Каран, Томми Хилфигера и Кельвина Кляйна, Болтон отметил, что они представлены в первой части выставки. При этом он хотел представить как можно больше дизайнеров, представителей эстетики и креативных направлений. Каждый ансамбль представлен в стеклянном кубе, который напоминает квадратные лоскуты стеганого одеяла. Здесь расположены ряды стеклянных кубиков, точно так же, как они расположены в линиях стеганого одеяла. “Флаг вуали” из хлопчатобумажной ткани Sterling Ruby 2020 года, вдохновленный политическим расколом в США перед президентскими выборами 2016 года, висит на стене напротив черного гранитного саркофага, датируемого 380-342 годами до н. э., рядом — белое платье от Prabal Gurung с поясом, украшенным надписью “Кто станет американцем?” — задает тон тому, что ждет нас впереди.

Спускаясь по лестнице в нижние галереи, посетители увидят манекен на шесте в усыпанном звездами костюме из осенней коллекции Gypsy Sport 2019. На противоположных стенах висят два свитера с флагами в рамках, в том числе один от Ральфа Лорена, одного из немногих дизайнеров, представивших на выставке более одного дизайна.

Рядом на пьедестале выставлено яркое платье с открытыми плечами в красно-белую полоску с надписью “Нет справедливости, нет мира” и другими призывами к социальной справедливости из весенней коллекции LRS 2021. У подножия лестницы обязательно обратите внимание на роскошное бальное платье Christopher John Rogers пурпурного цвета.

Болтон был немного обеспокоен (без всякой необходимости) тем, что его юбка шириной в девять футов не поместилась бы в увеличенный футляр, который был создан для него. Вечерняя одежда ярких цветов от Rodarte, Carolina Herrera и Oscar de la Renta, дополняющая творение Роджерса, выглядит почти миниатюрной по сравнению с ним.

Неподалеку находится лоскутное одеяло из американского крыла музея, созданное в 1856 году Аделиной Харрис Сирс. Она разослала маленькие квадратики в форме ромба известным американцам, включая восьми президентов США, на подпись. Авраам Линкольн поклонился и добавил: “Ваш друг и слуга. ” Красочное лоскутное одеяло в рамке призвано стать эмблемой страны и ее культурной самобытности. По словам Болтона, от 70 до 80 процентов ансамблей, намеренно ориентированных на современных дизайнеров, были созданы за последние пять лет, и он добавил, что около 40 процентов представленных дизайнеров — цветные люди. Традиционалисты могут критиковать подход «каждый получает свой трофей», тоскуя по Дональду Бруксу, Адольфо, Джеймсу Галаносу, Олегу Кассини, Лиз Клейборн и им подобным. Но вторая часть будет более исторической и расскажет о том, как возник первоначальный язык американской моды, как возник особый американский стиль, который был независимым и автономным от Европы, и, в свою очередь, о появлении независимых дизайнеров, что позволило им иметь собственное имя на этикетке. ”Я всегда чувствовал, что то, что мы стараемся делать, и мы сделали это с «Кэмп: [Заметки о моде»], — это проводить выставки, которые вызывают споры и дают старт дискуссиям.

И эти дебаты будут продолжаться за пределами четырех стен музея. Как куратор, я не верю в то, что куратор определяет, что такое американская мода. Его роль заключается в том, чтобы предлагать и стимулировать обсуждение, а также в том, чтобы это обсуждение продолжалось. Я люблю, чтобы выставки были открытыми. Это единственный способ, которым посетители могут чему-то научиться, а мы, как кураторы, можем чему-то научиться, просто расширяя наш канон, нашу область деятельности”, — сказал Болтон. На выставке представлено около 100 мужских и женских ансамблей. Наряду с широко известными дизайнерами, такими как Лорен и Каран, есть и более забытые, такие как Фабрис Симон и Кармело Помодоро. “Я не хотел делать традиционное «от А до Я» в американском стиле, когда у вас есть Эдриан, Бин, Кэшин. Они есть, но я хотел создать более альтернативный и инклюзивный дизайн, используя современных дизайнеров, а также дизайнеров, которые не были коммерчески успешными, но оказали влияние.

Помодоро оказал большое влияние на 80-е годы”, — сказал Болтон, добавив, что выставка также “пытается проблематизировать и создать более тонкий подход к американской моде”.

Уже несколько лет Болтон занимается раскрытием историй — нерассказанных, скрытых и малоизвестных, в том числе о менее известных дизайнерах. Во второй части, например, будут представлены работы Фанни Крисс, чернокожего дизайнера из Ричмонда начала 20-го века. “Это не имя нарицательное”, но она создала процветающий бизнес в Ричмонде, штат Вирджиния, так что “это история о расе, поле и американской мечте”, — сказал Болтон.

Этот более целостный подход призван помочь музею стать более инклюзивным, хотя в прошлом подвергался критике. Болтон сказал: “Безусловно, отчасти выставка стала ответом на проблему «Жизни чернокожих имеют значение», сделав дизайнеров, которых мы демонстрируем, более инклюзивными и разнообразными.

Это, безусловно, стало ответом на инициативы Метрополитен-музея DEIA (разнообразие, равенство, инклюзивность и доступ), движения за социальную справедливость, начавшиеся прошлым летом, и продолжающиеся движения”.